Soy repugnante, un cerdo, peor que un puerco, canta Pla. Gimotea Pla más bien, balbucea Pla, cita Pla a Pla, o puede que simplemente piense en voz alta, Pla, mejor. De igual manera gracias Pla, por sacar el tema a colación, y sobre todo por las buenas canciones…

Ante todo, Pla es un genio. Su música, por sí sola, es apenas una dimensión de su trabajo, que sólo puede apreciarse completo durante una sus presentaciones en vivo (aunque sea en DVD). El tipo, hay que verlo para entenderlo, parece salido de quién sabe qué planeta al borde de la extinción (en realidad, de Barcelona). En casi todas sus apariciones públicas, la expresión en su rostro congela un rictus demente pero infantil y una mirada extraviada con las que confecciona el disfraz que sostiene su personaje, el del idiota del pueblo, el del bufón, el de maestro distraído que ni siquiera se da cuenta de la brillante mierda que sale de su boca.

Pla canta, actúa, narra, recita, toca varios instrumentos, malabarea Pla, la hace de juglar influido siempre por el mismo ascendente iconoclasta que subvierte todo lo que hace. El montaje completo de sus relatos breves sólo puede, por tanto, apreciarse por la suma de sus partes.

Para empezar hay que escuchar, por ejemplo, aquel cover de Lou Reed, El lado más bestia de la vida, que es lo primero que yo escuché de él. Uno de sus tracks más finos, además de una adaptación sobresaliente, que respeta la esencia de la original pero no teme cambiar los personajes y las historias centrales. En ésta también se entrevé la calidad de los músicos que la acompañan, como el prodigioso guitarra flamenco Diego Cortés o Judit Farrés en los teclados.

Sus presentaciones implementan todo tipo de recurso para escenificar los conceptos de sus discos. En la gira donde presentó uno de sus mejores álbumes Canciones de amor y droga (en catalán, proyecto homenaje a Pepe Sales), apareció vestido en un atuendo medieval, prescindió de las luces para apelar por un tono más teatral, y en casi todos ellos apareció Judit Farrés (que además es su novia) desnuda tocando (aunque no en México); para El malo de la película, un proyecto con música compuesta por Farrés, Pla sincronizó sus desvaríos en vivo con los de la proyección de una película que protagonizó, con un resultado asombroso; para su último disco, La diferencia, desplegó todo un espectáculo “multimierda” (diría Pla), con Pla solo en escena, blandiendo una guitarra eléctrica.

Cuando se ilumina el escenario Pla pareciera estar siempre a punto de romperse. Su voz tímida, casi melosa, empieza a hablar y eventualmente a gritar explotando en las miles de imágenes incendiarias e historias terribles que pueblan las letras de Pla, que abordan todo tema posible desde lo grotesco, el lado más bestia de Pla, que prescinde siempre de la vergüenza al momento de escribir metáforas tan asquerosas como tiernas, tan crueles como hilarantes, de ahí tal vez el resultado original. Otro imprescindible, Pla (diríase de Pla).

Aquí algunos videos. Se recomienda, si no has escuchado nunca a Pla, empezar por Supone Fonollosa, un disco clásico de 1995, o por el en directo de 2006, Vida y milagros.

El lado más bestia de la vida

El bosque

Lola

Pla en los Goya

Marcelino Arroyo

Por qué Pla no va a la tele

Este hay que escucharlo con libreta y pluma en una mano, para no perder una sola de las invaluables recomendaciones musicales que va desempolvando el señor Dylan, y vaso de whisky en la mano libre, para estar a tono con el locutor.

Cada episodio sigue un tema dado: clima, béisbol, alcohol, el diablo, nombres de mujeres, nada, divorcios, Nueva York, guerra, gente famosa, algo, la felicidad, los gatos, el arca de Noe, etc. , etc. Así durante tres temporadas, cien programas en total, cada uno un breve ensayo radiofónico de autor sobre el tema en cuestión. Aquí el fragmento introductorio a uno de ellos, el de tópico besibolero, donde el locutor canta a capella Take me out to the ball game :

Béisbol

Fuera de la selección musical, lo mejor de Theme Time Radio Hour es, claro, Dylan. El tipo es una enciclopedia callejera y conoce todo dato posible sobre los temas (los musicales y los semanales) y las bandas en cuestión, y tiene una capacidad impresionante para cruzar referencias hasta el absurdo, ambientando así el programa con un sentido del humor muy extraño pero siempre hilarante.  Se atreve a recitar poemas, dar consejos amorosos, recetas de cocina, cantar, y sobre todo divagar. A pesar de que sus intervenciones son en general muy breves, entre rola y rola, terminas siempre queriendo más.

Para ilustrar el párrafo anterior, aquí algunos tracks del programa con intervenciones del locutor al principio y al final.

Halloween: Hoo-Doo-Say

El diablo: Devil’s haircut

Amigos y vecinos: Don’t take everybody to be your friend

Estas tres últimas redondean también otro punto: la mezcla desproporcionada de géneros, artistas y épocas que incluyó cada episodio, una muestra clara de los eclécticos gustos de Dylan. Playlists tan absurdos donde pueden verse aplicados, como en una misma oración, nombres sin relación como Nirvana, Muddy Waters, Blur, Buddy Holly y The Kinks. Aquí un enlace a una página donde pueden leerse las distintas listas de canciones programadas semana a semana, organizadas por tema.

Los episodios de Theme Time Radio Hour no fueron grabados en estudio. Esto sucedió en la casa de su autor o en distintos hoteles, cuando estaba de gira. El Abernathy building que se menciona repetidas veces es un lugar ficticio, creado con el fin de dar un aspecto vintage a la producción, según declaraciones de Bob. Lo mismo sucede con casi todas las llamadas, emails, entrevistas y grabaciones de contestadora con mensajes de celebridades que aparecen en el show (casi todas). Estos fragmentos son lo mejor del programa, en términos humorísticos. Entre ellos hay algunas intervenciones de, por ejemplo, Tom Waits, donde en atención al tema del día aportó datos completamente inútiles sobre maldiciones judías, ciertas propiedades de los pies femeninos y algo sobre palomas. Un toque de falso documental que colabora a la atmósfera bizarra del proyecto, al que se suman excelentes sampleos y jingles de los años cincuenta.

Para cerrar aquí una pequeña compilación de los mejores e-mails y llamadas con falsas preguntas ridículas que Dylan utiliza para poner cierta canción, corregir algo que dijo en otro programa o, simplemente, matar algo de tiempo. Más abajo otra recopilación que alguien hizo en youtube con las apariciones de Tom Waits. Para escuchar todos los capítulos del show, el siguiente enlace.

E-mails y llamadas

Tom Waits

Su única biografía, publicada en 1974 a manera de presentación para una exposición, dice así: On Kawara, artista-japonés, 25,712 días.

Desde 1966, On Kawara trabaja diariamente en la creación de una pieza diaria que eventualmente se sumará a la famosa Today Series: una colección de pinturas que muestran en letras blancas, sobre un fondo de color sólido, la fecha en que cada obra fue realizada con otros agregados en código siguiendo varias reglas, entre ellas: cualquier pintura no terminada antes de medianoche será abandonada; cada una será acompañada por un contenedor con información sobre las experiencias cotidianas del artista (como puede ser una nota de periódico); toda pieza será adaptada al sistema de puntuación, lenguaje, etc., de la ciudad en donde sea creada.

La serie I GOT UP reúne una colección amplia de postales que el artista envió durante años a sus amigos y familiares: cada una contenía la hora a la que se levantaba cada día; I WENT, cartas enviadas también diariamente, con la lista de direcciones recorridas; el libro titulado I MET, es en realidad otro listado, éste de todas las personas que su autor ha conocido; I STILL ALIVE compendia una serie de telegramas, enviados siempre a la misma hora, con el mensaje: “I still alive”.

En conjunto, su trabajo puede verse como una especie de archivo del paso del tiempo a través de On Kawara.

Su obra, hay que decirlo, a pesar de los lapsos abrumadores que enmarca o la disciplina requerida para llevarse a cabo, es más bien escueta en tanto a plasticidad. Es además una reflexión encerrada en sí misma donde el artista, a partir de la exposición de todo este montón de datos inútiles sobre su vida cotidiana, parece intentar más bien un acto de escapismo. Expresar una desaparición o desaparecer, mejor, en la inmensidad del calendario donde traza estas muescas patéticas. Una idea original, si me preguntan a mí, que valdría la pena explorar en las piezas de este señor.

Su última exposición, One million years, surgió de una obra que data en realidad de 1969, consistente en una serie de libros (12 volúmenes). En esta nueva versión de la pieza, una instalación, dentro de una cabina vemos un escritorio tras el cual están sentados un hombre y una mujer. Sus voces pueden escucharse desde afuera (la primera presentación de de One million years tuvo lugar en la calle) y en principio producen la sensación de que ambos sostienen un diálogo. Cuando el espectador se acerca, se da cuenta de que en realidad están tomando turnos para leer los libros de On Kawara, cuyas páginas contienen una lista de fechas que van desde 998,031 AC hasta 1969 DC. Esta primera lectura recorre un millón de años hacia el pasado y una segunda lo hará hacia el futuro, de 1980 DC a 1,001,980 DC. Dicha lectura la completarían diversos colaboradores, sus voces serían después grabadas en una serie de discos que representarán una nueva versión de la pieza.

El artista dedica la lectura del pasado a todos aquellos que han vivido y muerto, y la del futuro al último que sobreviva.

Aquí un video donde puede apreciarse el funcionamiento de la instalación.

One million years

El cineasta portugués, realizador de la famosa Casa de lava (1994), reunió en 2009 a la actriz Jeanne Balibar, el ingeniero de sonido Phillippe Morel y un par de músicos desconocidos en una banda ficticia sin nombre, cuyos miembros parecieran condenados, en la película, a tocar y tocar sus instrumentos en sesiones de ensayo, conciertos, grabaciones, lecciones de canto, de Tokyo a Francia y de Regreso, hasta que llegue el último “fade”. Un ensayo cinematográfico sobre el proceso creativo, para algunos, para otros un mero ejercicio de contemplación con un resultado brillante. Sobre todo una obra sorpresiva, plano a plano.

Fade in. Un encuadre de luces y sombras sin forma aparente. Todo se mueve, el plano es vertiginoso y como que marea. Lo único más o menos inteligible son algunas voces, el sonido de algunas guitarras, y a medida que la estupenda voz de Balibar comienza por fin a cantar, una de las sombras toma  la forma de un hombro al que luego se unen el cuello y el rostro de la actriz (como si ambos crecieran de la primera). La oscuridad al fondo y un puñado de luces redondas que la puntean en desorden hacen que parezca que la vocal canta contra un cielo de noche. El público nunca se ve, pero está presente en forma sonora.

No creo arruinarle la película a los que no la han visto diciendo que nunca pasa más que eso. Luego viene un ensayo, en estudio, como de 20 minutos; una lección de canto donde Jeanne no atina a completar una frase pronunciando la V adecuadamente (otros 10 minutos), y así hasta el final. Lo interesante aquí no está nunca en lo que sucede, en lo que dicen los personajes… está sobre todo en cómo tal sombra de un color imposible se escurre sobre la base de tal micrófono o en la vibración de las cuerdas de guitarra o en la consecución de claroscuros que parecieran tener una secuencia específica o en la expresión inescrutable de la boca del bajista, mientras toca. El ritmo hipnótico del montaje en sintonía con una misma canción que se repite y se repite (todo en blanco y negro) hacen el resto.

La titularon, en español, algo así como No cambies nunca. Una obra maestra del cine contemplativo que, si se puede, tiene que verse en el cine. Aquí algunos fragmentos.

“por ejemplo:” Si  soy fiel seguidor de los finales abruptos, prefiero aún más los inicios abruptos . Funcionan como advertencia y a la vez desconciertan de entrada (por no decir que son absurdos por definición). Y lo mágico de Los restos… es que mantiene la tónica de inicio abrupto hasta el mismísimo final. Así como suena.

El texto (de difícil clasificación) está sostenido por una prosa brillante que a pesar de su complejidad atrapa en un ritmo de fácil seguimiento. Un collage de recuerdos desordenados que constituyen, parece, una reflexión sobre su propia existencia que a la vez no se da importancia a sí misma… me estoy entramando aquí, escribiendo esto, y es que el objeto en el que se basa esta modesta reseña constituye un puzzle de  por sí bastante intrincado de pequeñas historias (de prodigiosa manufactura) que en realidad no son importantes para seguir la trama, aún cuando ellas son, sí, la trama. Así…

Su lectura remite a las obras de naturaleza policiaca, donde hay que reunir las pistas, descifrar una serie de códigos y rellenar un montón de agujeros para resolver el misterio, que en este caso no se ubica en un crimen por resolver, sino  en el texto en sí. La estructura de los pasajes, los personajes, las escenas, todo… hasta el narrador, tiene el aire sospechoso de querer llegar a algún resultado específico, a la comprensión de un algo determinado, cuando el narrador mismo advierte que todo lo que está contando es sólo un pretexto para llegar al final, y el contenido neto está en la forma que adoptan las historias que narra más que en los sucesos enunciados.

Siempre me es más difícil escribir sobre libros que sobre cualquier otra cosa (por algo se ven tan pocos posteos de este tipo por aquí).  Las reseñas ligeras de esta naturaleza terminan siempre enredándose en verborrea poética, frases sobre-elaboradas y mucha reverencia al texto, al autor, una que otra cita. Al final lo que se quiere decir es que el libro este, de tal autor, es muy bueno y hay que leerlo.

Los restos del banquete (Libros Magenta, 2009) es un libro de Gabriel Wolfson, escritor y académico poblano, uno de esos autores tildados de raros (a la Tario o a la Torri) tan apreciables dentro del la producción literaria “joven” del país.  Por cierto, otro recomendable es su libro de relatos Ballenas que ganó el Premio Nacional de Cuento Joven Julio Torri 2003.

Aquí un enlace hacia algunos fragmentos del libro.

Liderados por Eugene Kelly y Frances McKee, los Vaselines solían crear sus canciones durante ensayos realizados en un pub, donde no era poco común que dejaran olvidados sus instrumentos. Cuando grabaron sus primeros dos singles fue, de hecho, la primera vez que tocaron en estudio. Se decidieron a grabar sólo porque Stephan de The Pastels (otra buena banda escocesa) insistió hasta hartarlos. Dieron unos pocos conciertos y se separaron la misma semana que su disco fue lanzado.

Se reunieron una vez más, después de la disolución, para abrirle a Nirvana en un concierto en Edinburgh. Fue gracias a su asociación con los groungeros que se dieron a conocer ya en este continente (Cobain decía que The Vaselines era la mejor banda de la historia después de The Beatles). Así como por el cover de Jesus wants me for a Sunbeam que Nirvana hizo en su Unplugged y el de Molly que aparece en el Incesticide.

Fue tal vez gracias al apoyo de esta y otras bandas que la música de The Vaselines se escucha de repente. A partir de 2008 se han reunido para dar conciertos impulsados por Belle and Sebastian y Mudhoney, que los llevan como teloneros.

Sin duda una imprescindible de cualquier colección que se respete. Aquí algunas de sus canciones.

Jesus wants me for a sunbeam

Son of a gun

You think you’re a man

He aquí una banda genial y, por encima de todo, desaliñada, surgida en los primeros años de esta década: Los Black Lips.

Su estilo, etiquetado por ellos mismos como flower-punk, sigue también los lineamientos inexistentes del garage. Son conocidos además por ofrecer escandalosas presentaciones que incluyen actos nudistas, vómito espontáneo (debido a una condición médica de su vocalista, Cole Alexander), gallinas, carreras de autos eléctricos, guitarras incendiándose y miembros de la banda besándose (situación que los hizo salir huyendo de su gira por India temiendo que fueran arrestados bajo el cargo de realizar “actos homosexuales impúdicos”).

Su primer disco, Black Lips, vio la luz en 2003 y desde entonces han lanzado otros cuatro álbumes de estudio y otros dos en vivo (uno de ellos, titulado Los valientes del mundo nuevo, fue grabado en un bar de Tijuana). En ellos sobresale la potencia de sus sonido y la calidad de sus letras, que divagan entre la crítica social profunda y la profunda estupidez.

Los dos más recomendables para empezar a escuchar esta banda, en mi humilde opinión, son Good bad not evil y 200 million thousand.

Aquí algunos videos y (en su defecto) canciones con portada de disco. Los dos últimos: el que presenta la Blogotheque (algo sobre este proyecto está en un post anterior) y una de sus presentaciones en vivo que terminó en un caos.

Starting Over

Fad

Bad Kids

Navajo (acústico)

De la Blogotheque

En vivo en Heaven Club, Londres

Recién estrenada en HBO, Treme es el nuevo trabajo de David Simon, creador de la magistral The Wire (aquí un enlace al post sobre ésta).

El domingo pasado se estrenó el capítulo piloto, dirigido por la reconocida cineasta polaca Agnieszka Holland y en mi opinión el resultado es muy bueno.

Treme trata sobre la vida de un barrio de New Orleans, del mismo nombre, y transcurre a partir de tres meses después del huracán Katrina. Como ocurrió en The Wire, aquí el escenario es, podría decirse, el personaje principal; Esta serie sigue los intentos de algunos músicos, “indios” del Mardi Grass y otros habitantes de la ciudad por retomar el hilo de sus vidas tras el desastre.

Llama la atención la calidad del cast, que incluye a grandes actores como el mismísimo John Goodman (recurrente de los Coen), algunos antiguos colaboradores de The Wire, músicos reales representándose a si mismos (entre ellos el saxofonista Kermit Ruffins) junto con otros personajes locales que hacen lo mismo (a historia se basa en personajes reales, hechos reales).

El primer capítulo es ejemplo de las posibilidades narrativas para desplegar varias líneas argumentales sin caer en los clásicos recursos. El soundtrack y la atmósfera que sólo proveen los locaciones reales, el ritmo particular de la historia y la calidad del guión, contribuyen a que esto sea más que digno de verse. Un proyecto muy original que seguro valdrá la pena.

Aquí el trailer.

Así, en 2010, se estrenó en Sundance I´m here: a love story in an Absolut World, corto de 35 minutos escrito y dirigido por Jonze, sin mayor presencia de la marca que el agregado en el título y algunas apariciones sutiles de la imagen de esta bebida (branding, branding…).

La trama está ubicada en la ciudad de Los Angeles, en la actualidad, con la liviana diferencia de que ahí cohabitan, con los angelinos, organismos robóticos creados para realizar tareas ordinarias específicas.

Uno de ellos, Sheldon, trabaja como asistente en una biblioteca y lleva una existencia bastante monóntona hasta que conoce a Annie, que aunque comparte su mismo origen pareciera provenir de otro planeta donde lo cotidiano está regido por los designios de la creatividad y la búsqueda de nuevas experiencias.

Eventualmente Sheldon se enamora de Annie y a través de esta relación cambiará tanto su visión del mundo como el eje mismo de su existencia (un resumen burdo y ambiguo para no entrar en muchos detalles y arruinarle la película a los que no la han visto).

A través de esta trama Jonze explora el tema, obvio, del amor y las relaciones enfermizas en un tono, sobre todo, agridulce: un ensayo fílmico sobre aquella pulsión que obliga al uno a autodestruírse con tal de preservar la existencia del otro (algo así como el precio del enamoramiento y la vida plena a la Jonze).

El gran acierto de I´m here es su simpleza. La historia es, ante todo, sencilla. Contada a partir de los elementos más básicos del arte narrativo, montada de forma tal que esa atmósfera mágica de sabor agridulce que construye parece de repente tragarse el relato, apoyándose sobre todo en un gran soundtrack a cargo de Sam Spiegel y Aska Matsumiya.

Otro atributo de este filme es el uso de los efectos visuales, que lejos de seguir la decadente tendencia del 3D y los patéticos avatares, funciona en favor del relato y nada más (como ocurre en Where the wild things are). La estética lograda es sumamente original al mezclar el ambiente angelino contemporáneo con el agregado de estos robots creados con piezas de computadoras casi noventeras y otras máquinas arcaicas.

Aunque el corto todavía está rolando por Festivales (recientemente se presentó en el FICG), ya puede verse también en línea, siguiendo este enlace a la página oficial de la película. Hay funciones cada dos horas y es recomendable seguir la opción que enlaza al facebook, ya se verá por qué.

Aquí el trailer.

I´m here, trailer.

Precisamente por eso ahora me da un poco de miedo tener que suspender las publicaciones por un tiempo (aunque no muy largo), pero me invitaron a colaborar en un proyecto allá por Catemaco, Veracruz, que me va a mantener incomunicado durante unos 30 días. Chamba es chamba…

Así que,  a los fieles lectores de este blog, que lo han seguido regularmente desde el principio y hasta se toman la molestia de postear comentarios o apoyar la escritura de estos textos, les pido que no lo den por muerto y se den una vuelta por acá a mediados de marzo. Van a ver algunas mejoras en cuanto a diseño y contenidos. A los nuevos visitantes, los no tan recurrentes, y los caídos aquí por accidente los invito a leer los posts de este mes y anteriores, y si me conceden la caridad, a dejar algún comentario sobre lo que se encuentren.

Gracias y nos vemos pronto por acá.