“Sucio puerco solitario, voy vomitando mi llanto y al verme tan infeliz… nadie quiere darme un beso pues apesto a estercolero, y hasta se me caen los mocos, me los como y es penoso no poderlos compartir: nunca nadie se ha atrevido a darme un poco de cariño” (fragmento correspondiente a la letra de Diarrea Mental, del álbum No sólo de rumba vive el hombre, de Albert Pla).
Soy repugnante, un cerdo, peor que un puerco, canta Pla. Gimotea Pla más bien, balbucea Pla, cita Pla a Pla, o puede que simplemente piense en voz alta, Pla, mejor. De igual manera gracias Pla, por sacar el tema a colación, y sobre todo por las buenas canciones…
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Emitido en adictivas pequeñas dosis semanales a lo largo de casi tres años (mayo de 2006 a abril de 2009), Theme Time Radio Hour, un programa radiofónico a cargo del maestro Bob Dylan, cautivó a sus escuchas alrededor del mundo con insuperables playlists, tan eclécticos como su creador, que emulando a los mejores DJ’s de la vieja escuela mandó a la mierda los 40 hits principales y toda fórmula prefabricada para presentar este proyecto de grandísima calidad, que hay que incluir en toda colección musical que se respete.
Este hay que escucharlo con libreta y pluma en una mano, para no perder una sola de las invaluables recomendaciones musicales que va desempolvando el señor Dylan, y vaso de whisky en la mano libre, para estar a tono con el locutor.
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Hasta hoy, no hay un sólo retrato conocido de On Kawara. El genio nipón no concede entrevistas ni imparte conferencias. Nunca comenta públicamente su obra. Pocos lo han visto o saben algo de él fuera de su trabajo como artista conceptual.
Su única biografía, publicada en 1974 a manera de presentación para una exposición, dice así: On Kawara, artista-japonés, 25,712 días.
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El último trabajo de Pedro Costa , Ne change Rien, se mueve entre la línea imaginaria que separa al documental y la ficción. Pudiera catalogarse de falso documental, aunque también como un videoclip full-lenght o simplemente como un trabajo de esos “conceptuales”.
El cineasta portugués, realizador de la famosa Casa de lava (1994), reunió en 2009 a la actriz Jeanne Balibar, el ingeniero de sonido Phillippe Morel y un par de músicos desconocidos en una banda ficticia sin nombre, cuyos miembros parecieran condenados, en la película, a tocar y tocar sus instrumentos en sesiones de ensayo, conciertos, grabaciones, lecciones de canto, de Tokyo a Francia y de Regreso, hasta que llegue el último “fade”. Un ensayo cinematográfico sobre el proceso creativo, para algunos, para otros un mero ejercicio de contemplación con un resultado brillante. Sobre todo una obra sorpresiva, plano a plano.
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El libro empieza con un “por ejemplo:”, así sin mayúscula (los dos puntos y aparte), abajo un rollo sobre las bondades de cierto jabón líquido que promete ser ideal para la piel de los niños que luego termina tratando en realidad de otra cosa: una historia o el inicio de una historia que en realidad no es importante en el libro a pesar de ocupar la totalidad de sus páginas. Así como suena.
“por ejemplo:” Si soy fiel seguidor de los finales abruptos, prefiero aún más los inicios abruptos . Funcionan como advertencia y a la vez desconciertan de entrada (por no decir que son absurdos por definición). Y lo mágico de Los restos… es que mantiene la tónica de inicio abrupto hasta el mismísimo final. Así como suena.
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Completamente inexplicable que una banda con la calidad de The Vaselines siga manteniendo tan bajo perfil. Esta agrupación escocesa, de corta vida (1986-1990), fue una influencia definitiva para los grandes de la década pasada. Editaron solamente un disco, Dum Dum, y un puñado de sencillos dispersos. Al final su obra entera: 19 tracks, fue compilada en el legendario disco The way of the Vaselines: a complete history por la Sub Pop Records.
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Después de la realización de Where the wild things are en 2009, Spike Jonze recibió una oferta interesante por parte de la marca Absolut Vodka: realizar un cortometraje de tema libre, financiado por dicha compañía sin importar el costo, a cambio de pequeñas intervenciones con fines de branding que se mantendrían fuera de la dirección creativa del mismo. Un contrato de ensueño.
Así, en 2010, se estrenó en Sundance I´m here: a love story in an Absolut World, corto de 35 minutos escrito y dirigido por Jonze, sin mayor presencia de la marca que el agregado en el título y algunas apariciones sutiles de la imagen de esta bebida (branding, branding…).
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A principios de los ochenta, Fad Gadget (Frank Tovey) confundía a las audiencias acostumbradas al rock estándar tocando solo, con una caja de ritmos y un sintetizador. El fenómeno de la música electrónica apenas se espabilaba en Europa. Él fue el primero en firmar con la famosa Mute Records, a la que después se sumarían otros grandes como Depeche Mode, Einstürzende Neubauten, Nick Cave y Cabaret Voltaire.
A pesar de mantenerse bajo la sombra de lo poco conocido, Fad Gadget es hoy una influencia rigurosa para las bandas con base electrónica. New Order, The Pet Shop Boys y, otra vez, Depeche Mode, lo citan como referencia para sus propuestas.
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Si la brevedad de un cortometraje presenta a veces un reto a las capacidades de un realizador, hay que apreciar más aún el que implica la dirección de un spot televisivo. Este sería, en un lapso de sólo 30 o 40 segundos plantear toda una atmósfera, personajes, una narrativa clarísima desde el principio, un ritmo de montaje, etc. Claro que recientemente el tiempo de duración se ha extendido, llegando a convertir los comerciales en casi cortometrajes, pero aún así el reto se mantiene.
Aquí una pequeña muestra de lo que pueden llegar a hacer los grandes realizadores de cine en este ámbito.
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Los cortometrajes son comúnmente vistos como los pininos de un director en el cine, que además contienen las bases de lo que será su futura filmografía. Lo cierto es que así es, sobre todo porque estos proyectos pueden hacerse con un presupuesto mucho menor que el requerido para levantar un largometraje. Pero estos representan, también, microficciones complejas. Como sucede con los relatos cortos en literatura, exigen mucha más atención por parte del espectador, destreza en el uso de las técnicas narrativas para dosificar la información y mantener la tensión, además de requerir un gran trabajo para crear toda una atmósfera interna (un pequeño mundo ahí) cuyo funcionamiento sea comprensible en tan sólo unos cuantos minutos.
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Tristemente, acá en México, la música de Los toreros muertos llegó apenas en la forma de dos canciones, Mi agüita amarilla y Yo no me llamo Javier, que se conocieron gracias a esas recopilaciones en casette llamadas Rock en tu idioma.Se tomaron a broma, y con cierta razón, puesto que su propuesta está basada en el manejo del humor irreverente (la ironía), incursión trascendental que pocas bandas se han atrevido a realizar en la industria musical, con notables excepciones como la que representó por acá el proyecto de El personal.
Aún así, las letras no son pura estupidez (o bueno, sí), hay algunos temas y contenidos interesantes en el fondo sobre composiciones bastante originales.
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En medio de la saturación musical de los últimos tiempos, algo que busca el melómano por encima de todo es lo excepcional. Las nuevas bandas, por consiguiente, recurren entre otras cosas a la mezcla de géneros como recurso para sobresalir, no siempre con buenos resultados y, creo yo, esto es en parte porque se nota la negra intención, se perciben claras las influencias (más que combinar géneros, algunas parece que simplemente amalgaman sonidos con peinados de las bandas a las que quieren parecerse), las pretensiones.
La propuesta de Roby Lakatos es única no sólo por la mezcla descomunal de jazz con música clásica con gitana que imprime en sus piezas, también por su novedosa fórmula estructural, su virtuosismo para tocar el violín y su fantástico bigote.
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Las posibilidades para tratar un mismo tema son casi infinitas. Aún así, los realizadores a veces terminan reproduciendo las mismas formas y los espectadores, en consecuencia, acabamos viendo una y otra vez la misma película.
Si hay un tema recurrente en la filmografía del siglo XX es el Holocausto. La lista de cintas que han abordado este tópico es impresionante (puede consultarse en este enlace), pero la de obras sobresalientes en esta categoría (ya casi podría llamarse género) es mucho más corta. Una de ellas, sin duda alguna, es Night and fog, un documental francés de 1955 dirigido por Alain Resnais.
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En 1996, Robi Draco Rosa lanzó Vagabundo, un disco que aunque pasó (y sigue pasando) desapercibido, es considerado por muchos críticos y melómanos como el mejor o uno de los mejores álbumes de rock en español de todos los tiempos. Claro que a veces estos exageran, hay mucho de preferencia personal en ese tipo de aseveraciones, pero el proyecto sobre todo rompió con muchos moldes, es original en más de un sentido, ejemplar en cuanto a la calidad experimental de las composiciones y, especialmente, de las letras.
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Más allá de plasmar criaturas y parajes de naturaleza imaginaria mediante pinturas, fotos, películas o esculturas, un sueño humano es traer lo imaginado a la realidad a partir del mero deseo, tenerlo por lo menos como un objeto real, palpable, más o menos orgánico.
El trabajo de la artista nipona, Sachiko Kodama, representa un gran avance en ese sentido. Sus instalaciones explotan la dinámica expresiva de los líquidos a través de formas y movimientos manipulados por medio de computadoras, aprovechando principios básicos de la física.
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Dos hombres hambrientos están en un restaurante. Como el mesero no los atiende, optan por comerse las servilletas, el florero, la mesa, su ropa y, eventualmente, el uno al otro.
Esta secuencia forma parte de Food, película de 1992 de Jan Svankmajer, sin duda uno de los cineastas más originales de todos los tiempos. Animador checo que además es poeta, escultor, dibujante y diseñador gráfico, parte del último grupo surrealista que sobrevive.
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Este año empieza bien, musicalmente hablando, por lo menos en términos de esperanza. En la lista de lanzamientos aparecen, sobre todo, muchos nombres de bandas y músicos veteranos, trabajos que más de alguno espera con ansias desde hace un buen rato. Y lo mejor de ésta, sobre todo, es que aún puede deparar sorpresas, que son las que siempre saben mejor al final de cada temporada: lo inesperado y lo desconocido, quién sabe qué legendaria nueva agrupación que ni siquiera se ha considerado, presente su ópera prima este 2010.
Aquí una lista que he armado con información de varias fuentes, bastante confiables. Aclaro que los que incluyo aquí son únicamente los que me parecen más interesantes.
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Durante más de 13 años, Timothy Treadwell (Canadá, 1957) vivió durante largas temporadas con los osos de Alaska en el llamado Grizzly Maze. Registró todas sus visitas en video, editó luego con este material algunos documentales para generar conciencia sobre la necesidad de proteger a estos animales. Durante sus expediciones convivió hasta cierto punto con sus “sujetos de investigación”, atreviéndose incluso a tocarlos, a bañarse con ellos, a ponerles nombres ridículos (Señor Chocolate, por mencionar uno), a contarles sus secretos más íntimos, en algún momento llegó casi a creerse miembro de su especie.
En 2003, a Tim se lo comió un oso.
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Difícil de entender, también, cómo es que los discos de Anthony Braxton se ven en pocas colecciones, aún de fanáticos del jazz. Este señor de Chicago, nacido en el 45, ha publicado hasta la fecha más de 200 discos. Aunque sus especialidades son el saxo y la flauta, a mi entender, no es raro verlo por ejemplo al piano, por no mencionar cualquier otro instrumento. Es uno de los compositores más importantes del siglo pasado, tanto así que su cuarteto es comparado comunmente con el de Charlie Parker. El tipo, aparte de músico, es filósofo.
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Aún en tiempos del cine mudo, las películas siempre fueron acompañadas por música, hecho que representó todo un problema con la aparición de los primeros filmes sonoros. La cuestión era muy simple, ¿quién se iba a creer una película donde la música no venía de ninguna parte? Los primeros directores solucionaron este inconveniente poniendo en escena un radio, una orquesta, un violinista colocado como por descuido en un parque, es decir, incorporando elementos aleatorios a la historia sólo para justificar la inclusión de piezas musicales.
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En un post anterior mencionaba The Road, el último libro de Cormac McCarthy. Gracias a un comentario, aquí en el blog, me enteré de que ya se había lanzado la película. Tras muchas dificultades la conseguí y he de decir que el trabajo me sorprendió.
El libro tiene, ya implícita, una carga visual que hace fácil imaginar la novela ya casi montada en cine. Aún así, la cinta se despega de la pieza original y se puede ver como obra aparte, esto es lo más valioso y lo más complicado en términos de lo que se considera una buena adaptación.
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El músico y escritor canadiense Leonard Cohen fue dado de alta, por fin, del monasterio budista en donde estuvo exiliado varios años, sólo para descubrir que su agente le había robado todos sus ahorros para el retiro. Aunque el músico ganó la demanda, el manager se dio a la fuga con los 5 millones de dólares en cuestión. No le quedó otra opción más que volver a los escenarios, ya a sus 73 años, para sobrevivir la crisis. A pesar del precio desmesurado de los boletos y del riesgo de que se desmayara en el escenario (como ocurrió en Valencia), todas las fechas marcaron un lleno absoluto.
Uno de estos conciertos fue grabado y editado en CD y DVD, Live in London, el mejor disco del 2009 (en mi humilde opinión), y uno de los mejores álumes en vivo de todos los tiempos.
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Intenté contar cuantos “pinches” aparecían en este librazo del 69, del Maestro Rafael Bernal. Aborté la misión a las veinticinco páginas, tal vez por simple pereza, tal vez porque me gusta seguir pensando que tiene tantos “pinches” como estrellas hay en el cielo.
¡Pinche Rafael Bernal! Qué buena novela chingá…
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¿Cómo llega un animador a la antigua (de papel y lápiz), que produce mayormente cortometrajes, a ser comparado con Lynch y Kubrick?, ¿cómo logra reunir el mismo número de seguidores que un realizador de cine de renombre con estos cortos?, ¿cómo consigue sobrevivir únicamente de su trabajo como animador, desde los 18 años? Algunas preguntas que habrá que hacerle a Don Hertzfeld, un prodigioso cineasta californiano que, a pesar de su condición de ícono de la cultura pop, sigue sorprendiendo con sus innovadores proyectos.
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Entre los directores de cine estadounidenses, surgidos durante la década de los noventa, hay uno que sobresale por su estilo. Un realizador cuyas obras tienen una estética propia y elementos característicos inconfundibles: el genial Wes Anderson.
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Cuentan las malas lenguas, que nunca se callan, que Robert Johnson vendió su alma al diablo en cierto cruce de autopistas allá por Misisipi, a cambio de tocar el blues mejor que nadie.
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Screamin´Jay Hawkins es lo que en ciertos barrios gringos se conoce como un “crazy motherfucker”: sirvió en el Pacífico, durante la Segunda Guerra Mundial, como entretenimiento para sus compatriotas, hasta que fue capturado y mantenido durante cierto tiempo en una prisión japonesa. Años más tarde sería campeón de boxeo en Alaska. A la fecha se le conocen más de 57 hijos.
Desde pequeño quiso ser cantante de opera, pero nunca logró ese sueño, y terminó siendo, afortunadamente para el mundo, un extravagante músico de jazz-blues, y el primer shock rocker de la historia.
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Las obras anónimas son comunes en literatura. Piezas clásicas que se mantienen vigentes a través de los siglos, como el famoso cantar del Mío Cid o Robin Hood, que existen sin la molesta etiqueta del autor, la fecha exacta de creación o la leyenda de su escritura, y esto les confiere la cualidad especial del misterio.
En la Música esto también sucede ocasionalmente, aunque cuando ocurre es normalmente en una sucesión de plagios, situación mucho más divertida, que funciona siguiendo las mismas reglas del teléfono descompuesto, hasta que la creación original apenas se escucha entre los acordes de la nueva. Este es el caso de la canción folk: House of the rising sun.
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Werner Herzog se autonombró, después de filmar Fitzcarraldo, conquistador de lo inútil. En los fragmentos finales de Burden of Dreams, asegura que no lo deberían dejar hacer ninguna otra película, que debería estar en un manicomio.
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En 1977, Werner Herzog inició el proceso de producción de Fitzcarraldo, proyecto que le tomaría cuatro años y culminaría en el lanzamiento de dos películas inseparables. La ya mencionada y Burden of dreams, esta última dirigida por Les Blank que en principio pretendía ser un simple making of pero, dada la naturaleza del proyecto original, terminó convirtiéndose en otra cosa: el registro de cómo un director se convierte en su personaje.
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