El último trabajo de Pedro Costa , Ne change Rien, se mueve entre la línea imaginaria que separa al documental y la ficción. Pudiera catalogarse de falso documental, aunque también como un videoclip full-lenght o simplemente como un trabajo de esos “conceptuales”.
El cineasta portugués, realizador de la famosa Casa de lava (1994), reunió en 2009 a la actriz Jeanne Balibar, el ingeniero de sonido Phillippe Morel y un par de músicos desconocidos en una banda ficticia sin nombre, cuyos miembros parecieran condenados, en la película, a tocar y tocar sus instrumentos en sesiones de ensayo, conciertos, grabaciones, lecciones de canto, de Tokyo a Francia y de Regreso, hasta que llegue el último “fade”. Un ensayo cinematográfico sobre el proceso creativo, para algunos, para otros un mero ejercicio de contemplación con un resultado brillante. Sobre todo una obra sorpresiva, plano a plano.
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Las posibilidades para tratar un mismo tema son casi infinitas. Aún así, los realizadores a veces terminan reproduciendo las mismas formas y los espectadores, en consecuencia, acabamos viendo una y otra vez la misma película.
Si hay un tema recurrente en la filmografía del siglo XX es el Holocausto. La lista de cintas que han abordado este tópico es impresionante (puede consultarse en este enlace), pero la de obras sobresalientes en esta categoría (ya casi podría llamarse género) es mucho más corta. Una de ellas, sin duda alguna, es Night and fog, un documental francés de 1955 dirigido por Alain Resnais.
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Durante más de 13 años, Timothy Treadwell (Canadá, 1957) vivió durante largas temporadas con los osos de Alaska en el llamado Grizzly Maze. Registró todas sus visitas en video, editó luego con este material algunos documentales para generar conciencia sobre la necesidad de proteger a estos animales. Durante sus expediciones convivió hasta cierto punto con sus “sujetos de investigación”, atreviéndose incluso a tocarlos, a bañarse con ellos, a ponerles nombres ridículos (Señor Chocolate, por mencionar uno), a contarles sus secretos más íntimos, en algún momento llegó casi a creerse miembro de su especie.
En 2003, a Tim se lo comió un oso.
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La alineación de la banda británica de heavy metal, Spinal Tap, siempre está en constante transformación a causa de los extraños accidentes de sus bateristas. Uno murió en un bizarro accidente de jardinería no aclarado nunca, otro ahogado en el vómito de un desconocido, alguno hasta sufrió los efectos de la combustión humana espontánea (simplemente se evaporó en el escenario).
Estoy hablando de la misma banda que inventó los únicos amplificadores que llegan hasta el número 11, que dejó de dar conciertos masivos para hacer toquines “selectivos”, que se pierden en el camino de los camerinos al escenario, que aunque se denominen banda inglesa no tienen un sólo miembro de este país, aquella que en principio se llamaba The Originals y luego cambió a The New Originals (para diferenciarse del proyecto anterior).
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Werner Herzog se autonombró, después de filmar Fitzcarraldo, conquistador de lo inútil. En los fragmentos finales de Burden of Dreams, asegura que no lo deberían dejar hacer ninguna otra película, que debería estar en un manicomio.
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En 1977, Werner Herzog inició el proceso de producción de Fitzcarraldo, proyecto que le tomaría cuatro años y culminaría en el lanzamiento de dos películas inseparables. La ya mencionada y Burden of dreams, esta última dirigida por Les Blank que en principio pretendía ser un simple making of pero, dada la naturaleza del proyecto original, terminó convirtiéndose en otra cosa: el registro de cómo un director se convierte en su personaje.
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Artista del performance, fotógrafo y cineasta holandés, Bas Jan Ader se convirtió en mito al desaparecer en medio del Atlántico, como comúnmente sucede. Para ser artista de culto hay que morirse de forma original o desaparecer en medio del Atlántico, ya se sabe.
El centro de su obra era el performance a partir de su propio cuerpo. Su tema recurrente era el fracaso. Esa cualidad del ser humano que siempre lo hace caer, y caer, para caer al final, una y otra vez y así hasta el infinito. Bas Jan Ader siempre se cae.
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Entre las series televisivas de los últimos tres años, es difícil encontrar propuestas originales de comedia. Aunque hay buenos proyectos, basta con ver los primeros minutos de cada uno para definir sus influencias, su temática y su probable desarrollo.
La gran excepción es The flight of the conchords.
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Nota: leer primero la parte 1.
Para Werner Herzog, la única alternativa válida a la realización cinematográfica es cocinar. De ahí, tal vez, la inusual receta con la que preparó su zapato.
En Werner Herzog eats his shoe, el realizador alemán declara que su bizarra apuesta fue hecha con el único fin de motivar a Errol Morris a terminar su película. Para motivar a cualquiera a terminar cualquier película, sin pretextos. Hacerlo y ya.
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En 1980, Les Blank produjo un cortometraje documental en el que puede verse a Werner Herzog comiéndose su zapato en una presentación pública: Herzog eats his shoe (está al final de este post). Esto durante la premiere del documental Gates of Heaven, dirigido por Errol Morris.
El zapato, que estaba aderezado con ajo y especias, fue cocido durante 5 horas. El cineasta no se lo comió completo, claro, dejó fuera la suela. Argumentando que, cuando comes pollo, le quitas los huesos.
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Cuando, en la década de los treinta, el magnate de la prensa William Hearst iba al teatro, compraba una butaca para él y otra para su sombrero. Quería ser presidente. Se había erigido un palacio (uno de muchos) cerca de San Simeón del que Bernard Shaw dijo: “era el lugar que Dios se hubiera construido, de haber tenido el dinero”.
Orson Welles filmó, a sus 24 años y en la misma década, una película que aún está considerada entre las mejores y más importantes en la historia del cine: Citizen Kane, basada en la biografía y el personaje de Hearst. Aún antes de eso ya había conquistado la Radio y los teatros de Estados Unidos.
Sus vidas, aún cuando no estaban sincronizadas temporalmente, estaban predestinadas a chocar, tarde o temprano. Y el choque los destruiría a los dos.
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Yo, Roger (Roky) Erickson, declaro que no soy miembro de la raza humana (no un terrícola). Que soy, de hecho, un alienígena de otro planeta distinto a la Tierra. Espero que esto pruebe a la persona que aplica los electrochoques en mi cabeza que soy un alienígena. Declaro esto sin violar ninguna ley internacional y consto, mediante esta admisión, que soy, de hecho, un alienígena”.
Esta carta de 1975, certificada por un notario de Travis County (Texas), fue producto del arresto de Roky por posesión de un cigarro de mariguana seis años antes. Este solo hecho le valió una condena a 3 años en un hospital psiquiátrico para criminales donde el músico fue sometido a un inhumano tratamiento de electrochoques y Thorazine, además de otros por demás experimentales. Para cuando fue liberado, Roky ya no era el mismo, tanto así que certificó esta declaración y vivió atormentado por voces interiores y entidades imaginarias durante muchos años.
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Cada vez más, parece que el arte contemporáneo estira sus brazos hacia lo rebuscado. En pos de la originalidad, los creadores llevan sus piezas a extremos ridículos realizando ejercicios tan complejos que en ocasiones llegan a ser ilegibles (sin razón aparente).
Andy Goldsworthy (Inglaterra, 1956) revienta todas estas nociones en cada una de sus piezas. Su obra es catalogada como land-art, y creada específicamente para habitar en (y con) la locación que la ve nacer. El artista se interna en parajes desolados para trabajar con los materiales que le brinde la naturaleza, o con el mismo paisaje: hojas y ramas, flores, lodo, puñados de nieve, trozos de hielo, árboles, piedras, hierro.
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